Popular Tags

Tag Mathieu Tremblin

Update: Les Frères Ripoulain

Eine aufgemalte Fake-Werbefläche: “Decauxisation”, 2014, in Besançon für das Festival Bien Urbain

Wippe aus einem gestohlenen Moped: “Rodeo”, 2014, ebenfalls in Besançon

Fassaden-Schreinerarbeiten: “Menuiserie de façade”, 2014

Aufgemaltes Sportfeld: “Sport Circle”, 2014

Neue Arbeiten von David Renault und Mathieu Tremblin alias Les Frères Ripoulain.

Dresden Public Art View 2014: So sehen Gewinner aus

Vigilante: “If you publish this work on the Internet I will sue you”

Matthieu Tremblin: “The Treason of Brands / The two evidences”

Matthias Speck: “Ursprünglich war das Plakat als Teil der Ausstellung in Dresden geplant, wurde aber in letzter Instanz vom Förderer der Aktion, Ströer, abgelehnt. Dafür hängt es jetzt in Darmstadt.”

Bethan Huws

Karina Pais: “You are free*”


Gustav Hellberg: “Sie sind hier”

Das war Dresden Public Art View 2014: Ende Juni gab´s die Ausschreibung, es folgten über 500 Einsendungen aus aller Welt – und die Gewinner gab es bis zum 7. August in Dresden zu bestaunen. Und zur Vernissage gab es eine schöne Billboardsafari mit dem Bus: “Der Wahnsinn, 45 Personen, davon 10 teilnehmende Künstler, die begleitende konzipierte Soudarbeit “die neonröhre des jenseits” vom Berliner Künstler IDEOLOGISHE ANTIKE, unglaubliches Wetter und Blitzlichtgewitter, applaudierende Fahrgäste an niemals zuvor gesehenen Dresdener Ecken die selbst der Busfahrer noch nicht kannte, kreativer Höchstleistungssport beim Routenplanen, Interviews mit den Künstlern und Fachexperten (7 Jahre), Anekdoten und Haltestelleninfos von den Projektinitiatorinnen und Billboardkonzepte die während der Fahrt ihre Endrealisierung fanden und last but not least, eine riesige Menge gute internationale Kunst auf Großflächenplakaten zu bestaunen zwischen Fahrtwind und dem Verlangen nach Eis. Ein herzliches Dankeschön vom DPAV Team an Alle Teilnehmer/innen und dem assistierenden Künstler Fritz Bornstück, welche dieses Ereignis zu einem unvergesslichen Nachmittag und einem uniken Dresdenevent gemacht haben!” Via: Mail

Vladimír Turner & Mathieu Tremblin @ C. Rockefeller Center For The Contemporary Arts, Dresden

“Das Graue Wunder”, 2013 Das Graue Wunder is a two parts satirical intervention based on the controversial construction of the Waldschlösschen bridge, a highway bridge through the Elbe Valley which brought as a consequence in 2009 the unregistration of this site from UNESCO World Heritage List in which it was included since 2004. The first part of the intervention is a wallpaper pasted into a photo booth installed in Rosmaringasse, Altstadt in Dresden city center, just near the UNESCO billboard announcing the reasons why Elbe Valley was removed from the World Heritage List. The poster shows a vertical image of the bridge and designed in a way that UNESCO logo and text « Das Graue Wunder » appears as a background of each portrait picture taken with this photo booth. The second part of the intervention is a banner with UNESCO logo and text « Das Graue Wunder » installed at one corner of the Waldschlösschen bridge, mimetic to the six ones from Sächsische Bau GMBH company which were installed on the bridge since its building was completed at the end august 2013. « Das Graue Wunder » is the ironic nickname given to the bridge by the citizens of Dresden who were protesting against the construction. This nickname is an echo to « Das Blaues Wunder », the Loschwitzer bridge built in 1893 upstream and nicknamed in that way according an urban legend which claims that the Loschwitzer bridge was originally painted green, but that the weather turned it blue. In addition, the name is a pun, since the meaning of the phrase ein blaues Wunder erleben is « to experience an unpleasant surprise » (Wikipedia). Das Graue Wunder intervention is playing with viral communication in the field of territorial marketing to highlight the disagreement of citizens within a situation where functionality overrides on cultural heritage.

Erbe“, 2013, Innere Neustadt, Elbe river bank, Dresden (Germany). “Erbe is a complex graffiti intervention creating a link between antique writing and name writing. First, “ERBE” a four letter word – meaning in German “heritage” or “legacy” – is carved with rusty nails, chisel and hammer on a ancient pavement path, parallel to the Elberadweg along Elbe river bank. Then, the engraved graffiti is transferred on a sheet of paper by frottage technique. The obtained letters are cutted with a kraft knife in order the imprint becomes a stencil. Finally, the graffiti is spray painted in black at the junction of Antonstraße and Albertplatz in the city center over a electric meter decorated with a fake wall with stone reminding the one from the ancient pavement path in a trompe-l’œil style which might have been spray painted by local writers. Erbe action is a kind of reenactment of the evolution of graffiti writing through ages; from the anthropologic gesture – the word could be read as two pairs of initials – to the contemporary one – the word could be used as a nickname.”

“Break Free”, 2013. Break Free is a hacking intervention where a sticker of a cage is added on the window of a bus stop where is already sticked birdsaver window decal figuring the silhouette of a bird flying in order to give the impression the bird is breaking free.

Am 17. Oktober bis 1. November 2013 fand meine Ausstellung “Public Jokes” mit Vladimír Turner & Mathieu Tremblin im Dresdner Kunstraum C. Rockefeller Center For The Contemporary Arts statt. Die beiden Künstler haben dazu drei Arbeiten im Außenraum realisiert, “Das Graue Wunder”, “Erbe” und “Break Free”, und im Innenraum wurden Kommentare aus dem Netz zu den Arbeiten der Künstler an einer Wand tapeziert, darauf lief eine Projektion mit Bildern und Videos der jeweiligen Arbeiten – und zur Vernissage fand die Performance “Art Therapy Group” statt, bei der ich (der Kurator) als Therapeut gemeinsam mit den Künstlern und dem Publikum über die Probleme des Begriffs “Street-Art” diskutiere, über die Probleme Street-Art in einem Innenraum auszustellen und über die Probleme mit Kunst im Allgemeinen, und zur Auflockerung gab es dann immer wieder “Psychospiele”. Am Ende wurde aus dieser Sitzung ein Fanzine produziert mit den besten Elementen aus der Diskussion und an jeden Besucher kostenlos verteilt. Kurzum: Wir hatten extrem viel Spaß! Danke an Andreas & sein Rockefeller-Team für die Unterstützung! Und in den Worten der Künstler:

“We have to talk about your problem with “street”, “art” and “gallery”


Regarding to the fact that our work is done directly in everyday life in the city and diffused directly through the Internet, most people can access to our art content before coming to any hypothetic show (that’s mostly what people do when they ask themselves if they are going to visit a show where they don’t know the artist). So Alain Bieber, which is actually one of our first interlocutor/diffusor invited us to think together on how we could find a way to invest a space dedicated to art in a different way that the one we are using World Wide Web as somehow a Whole White Wall regarding to this production of documentation of actions in urban space. We thought that it could be interesting to put in balance the way people are appropriating our work through reblogging and commenting which is actually something a bit more difficult to do in reality where the only feedbacks you could get are the one from the passer-byes when you’re doing your intervention and eventually the ones from police or media. As in gallery/museum spaces your artworks – as objects – are moving slowly sometime (because they get stuck in art space or attic for a long period of time) and critic comments are mostly rare beside local press because of time lag publication because of physical impossibility to all critics to happen without physical experience of show due to the distance. We chosed to focus on this idea of reception, as comments are giving a meta reading of our pieces and dialoging with the idea of acting in the city or history of art mainly opening it to a general feedback related to mass media topics and society inputs (depending of the content of the work itself). Because our works are also featured on the WWW before eventually appearing in WWW, it sounded obvious that those rumoral comments took place in the chain of understandement of art critic ones.


The first envy of Public Jokes came out within the misterstooding related to our three nationality. Our missuse of english through which we expressed our feeling brought us in a lot of lost in translation situations due to our different cultural background. After a lot of email and changing plans, we actually realized that we wanted the same show but we were not saying it in the same way (a Trophee Hall where artifacts and leftover are acting metonymically to tell the story behind an action). And due to communication matters we were stucked with this public jokes topic where we agreed about the fact that story itself should be the material of the show at least replacing the traditional caption under the work – eventually told like a story something like « this is the story of a guy ». We were planning to do some prepared actions in the field of the show, but as usual when you arrived to a new city where you are welcomed by an inhabitant (actually the marvelous artist-art manager Andreas Ullrich) you get quick into city history power in presence in faction/balance, and mostly you feel the need and the freedom to implement other dynamics as some out of the field commentator. City implemented its agenda and we came out with 3 duo works.


When Alain arrived at the end of the third day, we had a talk about all the difficulty to understand each other coming from 3 different country not talking directly only by emails in different rhythm of life. Alain felt the need to propose a variation of the first feedback we were planning to do about site specific actions we did, and regarding of the mistakes and questions behind this specific relation we each had about art theory and history, intervention and documentation, outdoor and indoor, he came up with this two collective session of 30 minutes of Art Theraphy Group where the curator is playing the role of art psychoanalyst and implementing exercises and questions to go deeper in the relationship with art and artworks. In front of the wall, were installed around a vintage carpet, a big sofa and a dozen of chairs in circle ; with on the corner, between a small video projector and a lamp, one confortable chair for the therapist and a small stool for his assistant Uli. To the public: « So what ’s your problem with art? » ; to the two artists: « So what’s your problem with Street art and gallery ? ». Bieber invited us to do one exercise to start (presenting yourself with your name associated to one word) one in the middle of the session (gathering and catching each others hands to make big hands knot then trying to collectively unknot without releasing the hands you were holding) then finally a speed collective he learned from Florian Rivière (consisting in running in a small space focusing on not touching the other runners ; then running by focusing on empty spaces – which is more successful because things move better when you focus on solutions than on problems). After we presented our reactive non-post-produced works (generating confusion about our intentions on the audience also related to the fact that Alain introduced us to annoy us as Street artists which we are not), we had strong talks with the group compound by art critic, art teacher, art designers, art students, art amateurs and one lyrical singer. Therapist assistant Uli took notes of the talks and each one was invited at the end to give a one sentence feedback about the performance. Alain Bieber then spent two hours editing a 20 sheets in 30 exemplars precious DIY fanzine, which the participants could bring with them.

Und sonst so: 12. 02. 14

Foto: Late/Sol: “36th CHAMBER 1993-2013″, 2014. Via

* Art By Telephone | Recalled

* Olia Lialina & Dragan Espenschied: “One Terabyte of Kilobyte Age Photo OpVia

* Mathieu Tremblin Samuel Francois: Occupy Facebook with Wurst

* Hans Ulrich Obrist chattet mit dem albanischen Premierminister und Künstler Edi Rama: “Social Media Is Like Performance“. Via

* Dr. YouTube, or How I Learned to Stop Worrying (About Failure) and Love My Viral Video

* global aCtIVISm (bis 30.3) im ZKM: “Weltweit ist ein neuer Aktivismus zu beobachten, der von BürgerInnen (lat. civis) ausgeht, wie das im Wort activism hervorgehobene CIVIS zeigt. Diese Bewegung ist Folge der Globalisierung, der technischen Entwicklung und der Expansion der Kunst. Seit den 1960er-Jahren hat die Kunst mit Fluxus, Happening, Aktionismus und Performance neue Formen der Partizipation des Publikums hervorgebracht. Die Publikumsbeteiligung in der Kunst ist nun offensichtlich als neue Form der Bürgerbeteiligung in die Sphäre der Politik eingedrungen. Künstlerische und politische Demonstrationen vermischen sich.”

Vladimír Turner: Update

“We are all terrorists”, 2013: Inviting people to pose as an radical/terrorist in public places and making photos of them in tourist manner.

“S.O.S.”, 2013

“Banana Memorial”, 2013: “This memorial that is supposed to honour black soldiers, who fought under the French flag between 1830 and 1962 is situated in a remote park in Toulouse, France. Located between railway tracks, a supermarket and a parking lot it is a transit spot, where passers-by hurry along with full grocery bags or where they take their dogs for a walk around the stinking curbs. I consider the location and the very existence of this memorial as a mockery of black people. Let’s not forget that France used soldiers of African heritage to conquer new colonies. History shows that the goals of European powers were often in contrast to the interests of black people. Even today France asserts its imperial goals all over the world and sometimes not just by peaceful means. Scarred souls of the inhabitants of post-colonial countries or today’s French immigration policy clearly prove, that the time of colonialism is not yet over. Present-day colonialism is more of a cultural nature, but for that, not less dangerous. Today’s Europe with its problematic immigration laws often perceives immigrants as exotic fruit, that brings us from faraway places a culture more colourful than our own. I think this attitude is as xenophobic and potentially dangerous as open racism. My “Banana memorial” is an artistic metaphor of how the strongly nationalistic French society views other races. Its title is derived from the expression “banana republic”.”

“Portal serie” (started in Brisbane, Australia, 2012)

“Leader Price”, 2013: Slipknots made from Leader Price supermarket plastic bags.

Food Not Bombs“: A cooking tv show parody

Neue Arbeiten von Vladimír Turner. Mehr Bilder aus seiner Residency “L’Office de la créativité” in Toulouse hier. Via: Mail

Vladimír Turner & Mathieu Tremblin: “Public Jokes” /// C. Rockefeller Center, Dresden; Vernissage: 17. Oktober

Public Jokes

a duo show by
Vladimír Turner (CZ) &
Mathieu Tremblin (FR)
curated by Alain bieber (DE)

from 18 October to 1 November 2013
opening Thursday 17 October at 18:30

in C. Rockefeller
Center For The Contemporary Arts,

Nicht verpassen! Die erste gemeinsame Ausstellung von Mathieu Tremblin und Vladimir Turner in Dresden (C. Rockefeller Center), Vernissage & Eröffnungsperformance ist am 17. Oktober, ab 18.30 Uhr! Und danach geht es mit dem Duo nach Halle zum Werkleitz-Festival – am Freitag, 18. Oktober, 18 Uhr läuft mein Filmprogramm “Streetism!” mit Mathieu Tremblin & Vladimir Turner; und Filmen von Akay, Love & Security, Sebastian Haslauer, Nug & Pike, Ivan Argote, Brad Downey, Jaroslav Kysa, Vojtěch Fröhlich, Ondřej Mladý, Jan Šimánek, Messieurs Delmotte, Leopold Kessler, Francis Alÿs, The Cleaning Unit.

“It could have started like a childish joke “A Czech, a French and a German guy are in the same boat” but “Public Jokes” is more about the first duo show of Vladimír Turner (CZ) and Mathieu Tremblin (FR) curated by Alain Bieber (DE) since the three met in 2011 at the occasion of a workshop organised by Memefest (SI) in Nijmegen (NL). The title refers to the French expression “private jokes” – in-joke (for inside-joke) in English. And the show is mainly a focus on how artists urban intervention art is using humor to deal with cultural mistakes and similarities regarding globalization, politics and urbanism.

Exploring the relationship between spontaneous and autonomous actions and their restitution, Bieber, Tremblin and Turner are gathering various commentaries picked up from the streets to the Internet in order to tell the “story” behind each gesture trying not to losing its original energy and openness to interpretation. The show is interrogating the way of bringing individual desire (private) to common audience (public) until, as a kind of popular success, the action itself is brought into informal language, becoming a kind of rumor like a good story you tell to your friends or a urban legend. Because at the end, everyday life is the place where the art effects of urban intervention can be fully felt and assume greater significance.

As an example, the Pistachio video documentation is a sort of zero level illustration of how this humorous mechanic proceeds. The two artists are framing themselves in a private and boring situation sharing beer and pistachios until they do in the last few seconds some unexpected sophomoric DIY twist which bring sense to the situation and a lot of self-derision about the urban hacking culture people are usually relating them too.”

Und sonst so? : 07. 10. 2013

Foto: Spencer Keeton Cunningham

* “Reverse logos of competing brands“. Via

* “100 Urban Trends” (PDF) nach dem Berliner BMW Guggenheim Lab. Via

* “Speculations on Anonymous Materials” – die erste (Postinternet)-Ausstellung von Susanne Pfeffer im Fridericianum Kassel (bis 26. Januar), u.a. mit Pamela Rosenkranz, Kerstin Brätsch & Debo Eilers, Oliver Laric, Michele Abeles uva.

* Tagger-Historie als GIF: “Des histoires de taguers” von Mathieu Tremblin

* WAV macht einen Ausflug nach Berlin und es gibt ein Tagebuch

* “Das neue Graffitti-Gadget für eisige Tage: der erste Train der Traintapes-Reihe ist als Endlos-Papierklebeband fertig! Ihr könnt diese Bänder mit wasserbasierten Pigmentmarkern wie Edding 3000 oder Uni Posca bemalen und auf fast jede Oberfläche kleben, jeder Kleiderschrank wird damit zur Instant-Traingalerie. Wir werden nach dem Klassiker DB-Silberling nach und nach weitere Trainmodelle releasen, stay tuned. Wir arbeiten auch an einer Smartphone App, mit welcher ihr eure Trains fotografieren und die Pix direkt auf unsere Traintape Seite hochladen könnt.”

* “Letzte woche habe ich in berlin die erste mediale plastik installiert. das ist eine webseite die nur an einem ganz bestimmten ort geöffnet werden kann. einweihung war letzte woche. bilder findest du hier.”, schreibt mir Florian Kuhlmann.

* Das Stickermag Klebstoff #6 geht in Druck! Am besten gleich vorbestellen…

* Drei neue Werke in der Netzkunst-Galerie des Jeu de Paume, kuratiert von Alessandro Ludovico (“Neural”): “Random Shopper” von Darius Kazemi (How programming code can radically transform our consumer habits, avoiding any marketing-oriented “modus operandi”?), “The Art of Google Books” von Krissy Wilson (Wilson is questioning between the lines the digitalization as an industrial apparatus. So, she’s documenting the fragments of materiality lost in this gigantic digitalization process…), “a series of unfortunate events” von Michael Wolf (Michael Wolf uses his photographic skills to “shoot” pictures within the world of Google Street View, where city streets are viewable in a weird digital and photographic continuum.)

* Eine Mini-Ausstellung von Hans-Ulrich Obrist: “He’s organized exhibitions just about everywhere under the moon, and now he’s curating a tiny exhibition at the virtual gallery Water McBeer, a 300 square inch space run by artist Henry Gunderson that’s accessible only through the gallery’s website. For the upcoming exhibition, Obrist will revive a version of his Nano Museum, an exhibition space hosted on a 2 x 3 inch picture frame. That original museum went missing in the 1990s, lost in a bar by artist Douglas Gordon.”

* Buchtipp: “This Will Have Been: Art, Love, and Politics in the 1980s

Werkleitz Festival 2013: Utopien vermeiden!

Die Werkleitz Gesellschaft feiert ihren 20. Geburtstag mit einem Jubiläumsfestival: 12-27. Oktober 2013, Holtzplatz 1/Technikhalle, Halle (Saale). Und ich freue mich riesig darauf, weil ich zwei Filmprogramme und vier Künstler/innen einladen durfte! Meine Programme laufen am 18. Oktober im Festivalkino – kommt unbedingt vorbei!

“Werkleitz ist 1993 in einer Zeit großer Umbrüche gegründet worden. Durch den Fall der Mauer und den Zusammenbruch der Diktaturen in Osteuropa entstand eine euphorische Hinwendung zur Demokratie, die weit über Europa hinaus strahlte. Zur gleichen Zeit begann der Aufstieg des World Wide Web zur zentralen, zukunftsweisenden Technologie, die eine offene Kommunikation für alle Menschen zu versprechen schien. Diese Aufbruchstimmung spiegelt sich auch in der Gründung von Werkleitz als Kollektiv mit flachen Hierarchien, kollektivem kuratorischen Ansatz und europaweiten Kooperationen. Anfang der 1990er Jahre wurden aber auch die Finanzmärkte dereguliert. Der Nationalstaat als zentraler Souverän der Gesellschaft zieht sich seitdem durch verordnete Sparzwänge aus der gesellschaftlichen Gestaltung zurück. Ökonomischer Druck und die damit verbundenen Ängste führen in vielen Ländern Europas zu antidemokratischen Bewegungen, der Traum der europäischen Einigung ist verschwunden. Werkleitz nimmt sein 20-jähriges Bestehen zum Anlass, diese gegenläufigen Prozesse zu reflektieren. 20 Kuratoren sind eingeladen, jeweils eine neu entwickelte Arbeit in einem Ausstellungsparcours, in Film- und Performanceprogrammen sowie einem Symposion in Halle zu präsentieren und zu diskutieren. Der Titel Utopien vermeiden basiert auf der gleichnamigen Neonleuchtschrift Martin Conraths aus der ersten Werkleitz Ausstellung von 1993 und steht für die Ambivalenz dieser letzten 20 Jahre.”

Freitag, 18.Okt, Festivalkino, 18:00: Streetism!
Vor Ort: Mathieu Tremblin & Vladimir Turner. Und Filme von Akay, Love & Security, Sebastian Haslauer, Nug & Pike, Ivan Argote, Brad Downey, Jaroslav Kysa, Vojtěch Fröhlich, Ondřej Mladý, Jan Šimánek, Messieurs Delmotte, Leopold Kessler, Francis Alÿs, The Cleaning Unit.

Liebe Künstler, verbrennt die Manifeste! Liebe Kuratoren, hört endlich auf immer neue Fragen zu stellen, die doch nie jemand beantworten kann. Und liebe Besucher und Zuschauer, lasst uns Utopien und immer neue Versprechungen vermeiden und konkretes Handeln favorisieren. Das Filmprogramm „Steetism!“ stellt deshalb Künstler vor, die anpacken. Künstler, die raus auf die Straße gehen, dorthin wo das Leben tobt, und versuchen, die Welt im Kleinen zu verändern. Es werden 18 Dokumentationen aus ganz Europa von Performances, Interventionen und Skulpturen im öffentlichen Raum gezeigt, 18 individuelle Strategien, die mit viel Spaß und Spiel, eine künstlerische Formen des Widerstands darstellen. Denn Kultur entsteht durch Spiel – den Spaß daran und die daraus entstehende Spannung. „Der Mensch ist nur da ganz Mensch, wo er spielt“, schrieb Friedrich Schiller. Und der niederländische Kulturhistoriker Johan Huizinga prägte den Begriff „Homo ludens“, der spielende Mensch, der für die Streetart-Künstler so beschreibend ist. Die Stadt selbst wird dabei zum Kunstwerk, das frei gestaltet wird und quasi als Laboratorium für eine spielerische Revolutionierung des Alltags dient. Matthieu Tremblin, Vladimir Turner, Brad Downey, Messieurs Delmotte, Francis Alys, Rémi Gaillard und Ivan Argote dekorieren Überwachungskameras mit Früchten, köpfen Rosen, bemalen die U-Bahn mit ihrem nackten Körper, zweckentfrenden eine Werbefläche zu einem Kettenkarussel und barrikadieren mit Tauben die Einkaufsläden. Die Künstler spielen dabei nicht nur mit dem Stadtraum und den Bewohnern, sondern mit der gesamten Kunstgeschichte: Ein Schuss Spontaneität der Situationisten, ein paar choreografische Fluxus-Elemente, ein bisschen Land-Art, eine Dosis Dada-Absurdität, verquirlt mit Ready-Mades und Minimalismus – fertig ist das Street-art-Œuvre. Das Filmprogramm soll nicht nur Aktionen präsentieren, sondern auch den Zuschauer anstiften und aktivieren. Denn Kunst sollte nicht in Museen weggesperrt werden oder temporär auf Festival zu sehen sein, sondern zur Alltäglichkeit werden.

Freitag, 18.Okt, Festivalkino, 21:00: Gefangen im Paradies
Vor Ort & Filme von: Barbara Visser (“C.K.”), Alain della Negra (“How much is the rain”)

“Was mich fasziniert, ist die Tatsache, dass Freiheit im Grunde genommen eine Illusion ist. Und das gilt für Künstler, Buchhalter oder Kriminelle“, sagt die niederländische Künstlerin Barbara Visser. Und Alain della Negra, ein französischer Künstler, spürt in seinen Filmen stets manische Utopisten auf, von den obsessiven Schamanen, über Furry-Fans bis zur Regenbogen-Sekte. Das Filmprogramm „Gefangen im Paradies“ präsentiert zwei wahre Begebenheiten, dokumentiert von zwei Künstlern. Clemens K., langjähriger Buchhalter der niederländischen Kunst- und Kultustiftung, bucht 16 Millionen Euro auf sein eigenes Konto und verschwindet danach komplett von der Bildfläche. Visser verfolgt in ihrer spannenden und preisgekrönten Dokumentation den Betrüger bis nach Thailand, seinem selbstgewählten Zufluchtsort. Ihre akribische Recherche blickt mit künstlerischen Mitteln auf die Beweggründe und interviewt Freunde und Kollegen, die geschockt, verwirrt, beschämt und wütend zurück bleiben. Und della Negra hat für seinen neusten Film „How much rain“ die Regenbogen-Sekte nach Mexiko begleitet. Die Regenbogen-Krieger kleiden sich in einer einzigen Regenbogenfarbe, schlafen in einer solch monochromen Hütte und essen auch nur Nahrungsmittel in derselben Farbe. Sie wechseln die Farbe je nach Stimmung, manche jeden Monat, manche nur ein paar Mal im Jahr. Della Negra nimmt uns mit in eine Welt, deren vermeindliche Freiheit auch hier zu einem selbstgewählten Gefägnis wird.

“Und Alle so: Yeaahh! Die vulgäre Avantgarde”, Haus für elektronische Künste, Basel

David Horvitz (USA): “241543903″, 2009–heute. David Horvitz ist bekannt für seine Anleitungen zu Do-It-Yourself-Projekten. 2009 startete er über Tumblr die Aktion Head in the Freezer, die sich rasant über soziale Netzwerke verbreitete. Horvitz forderte dazu auf, seinen Kopf in ein Gefrierfach zu stecken, sich dabei fotografieren zu lassen, und das Foto ins Internet zu laden – versehen mit dem Tag „241543903“. Gibt man diese Zahl bei der Google-Bildersuche ein, erscheinen nun hunderte von Imitationen dieser künstlerisch initiierten Performance, die zum Internet-Mem geworden ist.

Evan Roth (USA): “Cache Rules Everything Around Me”, 2010. In Cache Rules Everything Around Me arrangiert Evan Roth im Internet vorgefundenes Bildmaterial spielerisch zu Musik von „Girl Talk“ aus dem Album Nightripper – selbst ein Mashup-Album, das verschiedene Musikstücke kombiniert. Bekannte Szenen aus Kinofilmen, aus Fernsehserien oder YouTube-Videos werden mit den populärsten Internet-Memen und animierten .gifs zusammengewürfelt und demonstrieren auf amüsante und beeindruckende Weise, wie sich im Internet auch künstlerische Produktions- und Distributionsformen verändern.

Helene Dams
(DE): “I Can Has History?“, 2010. Kein anderes Tier scheint im Netz derart beliebt zu sein wie Katzen. Sogenannte „Lolcats“ (Lol = laut lachen) bilden seit ca. 2006 ein beliebtes und weit verbreitetes Internet-Phänomen, bei dem Katzenbilder mit (orthografisch fehlerhaften) Sprüchen versehen und über soziale Netzwerke geteilt werden. Doch woher kommen bloß all diese Katzen? Dams betrieb Ahnenforschung und präsentiert in ihrer animierten Netzkunst-Arbeit I Can Has History? den Familienstammbaum der „Lolcats“.

Alex Von Bergen (USA): “Self Portrait with Tail”, 2008 / “Ongoing Collaboration with My Cat to Create an Image that Hopefully Becomes an Internet Meme”, 2010–heute / “Tan Line Gradient Study”, 2013. Alex von Bergen greift immer wieder Gebrauchsgegenstände oder aus dem Alltag vertraute Phänomene auf. Geschickt bewegt er sich dabei zwischen Netzwelt und physischer Welt, zwischen Kunstproduktion und Kommerz. So auch in Ongoing Collaboration with My Cat to Create an Image that Hopefully Becomes an Internet Meme und Tan Line Gradient Study, welche mitunter die Frage nach der Funktion von Kunst und Kultur im Internetzeitalter stellen. Was hat mehr Einfluss: ein Bild in einem Museum, ein Kino-Blockbuster, oder ein sich viral verbreitendes Internet-Mem? Als Postkarte zum Mitnehmen werden wir aufgefordert Von Bergens Internet-Meme auch außerhalb des Netzes zirkulieren zu lassen.

Mathieu Tremblin (FR) mit Aurélie Fourel, Marinka Limat: “Ink Geyser”, 2013. Mathieu Tremblin ist berüchtigt für seine Interventionen im städtischen Raum. Meist sind diese minimal, vielfach von einer gewissen Absurdität gezeichnet und bilden ein Gegengewicht zur reglementierten (rechtlichen, repräsentativen, symbolischen) Öffentlichkeit. Ink Geyser ist ein künstlerisches Re-enactment des Mentos-Cola-Internet-Mems: Durch die chemische Reaktion, das Hinzufügen von Farbe und die installative Anordnung entsteht ein künstlerisches Wandgemälde, das seine Spuren für eine kurze Zeitdauer an Wänden, Decke und Boden hinterlässt.

Matthias Fritsch (DE): “Technoviking Transmedia”, 2007–2011 / “We, Technoviking”,
2010. Mit über 40 Millionen Klicks und mehr als 4000 Videoreaktionen auf YouTube gehört Matthias Fritschs Technoviking – im Jahr 2000 unter dem Namen Kneecam No. 1 ins Netz gestellt – zu den weltweit populärsten Internet-Memen. In den präsentierten Videos recherchiert Fritsch die Geschichte seines Kunstvideos, von der Produktion bis zum populären Internet-Mem, wo der Technoviking sich wie genetisches Material im Netz fortgepflanzt und ständig in neue Variationen und Formen mutiert. Während Technoviking Transmedia User-Reaktionen sammelt, die den Technoviking in virtuellen Welten (z.B. World of Warcraft, Minecraft) inszenieren oder in ein anderes Medium übersetzen, präsentiert We, Technoviking ein Zusammenschnitt von über 50 Reenactment-Videos, welche von Fritsch im Netz gesammelt und zu einem musikclipartigen Video zusammengemixt wurden.

Kent Rogowski (USA): “There is a Rainbow”, 2012. Kent Rogowski greift in seinen Arbeiten Klichees und Stereotypen auf und schafft über das scheinbar Vertraute vielfach ein Gefühl der Befremdung. There is a Rainbow ist Teil der Serie Everything that I wish I could be, in welcher der Künstler Selbsthilfe-Bücher nach einer bestimmten topografischen Anordnung arrangiert und in Lebensgröße abfotografiert. Durch eine gezielte Linienführung der Regebogen deutet Rogowski vage eine Herzform an – und inszeniert so fast unscheinbar kulturell kodierte kommunikative Muster, die auch den Internet-Memen eigen sind. Und nach dem Double Rainbow von Hungrybear9562 gehört der Regenbogen (nach den Katzen) zum zweitliebsten Pop-Phänomen der Internetkultur.

Jonas Lund (SE): “Paint Your Pizza“, 2013. „Realität ist da, wo der Pizzamann herkommt“ ist ein beliebter Geek-Spruch. Was macht die Pizza zur Leibspeise der Internet-Generation? Vielleicht liegt es daran, dass man bei Pizza Hut bereits seit 1993 die erste Pizza im Internet bestellen konnte – lange Jahre vor der Gründung von Amazon, Google oder Ebay. Paint Your Pizza ist eine Webseite von Jonas Lund, über welche man mittels der Grafiksoftware MS Paint seine ganz individuelle Pizza malen, bestellen und verkaufen kann. Macht mit, malt eure Pizza, druckt sie aus und holt euch euer ofenfrisches Kunstwerk für CHF 12 draußen am Pizza-Stand!

Tracky Birthday & Hasi International™ feat. Cindy Sizer (DE): “Tricks 10″, 2013. Bereits neun Folgen der ARTE Creative Webserie Tricks haben Tracky Birthday und International™ souverän gemeistert: witzige und unberechenbare Shows, die uns mit auf eine Reise durch die Popgeschichte nehmen und unter anderem auch demonstrieren, wie sich mit Gemüse musizieren lässt. In der zehnten und letzten Folge von Tricks inszenieren die zwei Künstler zusammen mit ihren Freunden Cindy Sizer eine kollektive Jamsession, bei der die Besucher zur Band werden – und natürlich wird auch diese Folge live ins Netz gestreamt.

Für alle die es am 24. August nicht zur Oslo Night 2013 nach Basel geschafft haben: Ein paar Impressionen der Ausstellung “Und Alle so: Yeaahh! Die vulgäre Avantgarde” im Haus für elektronische Künste in Basel. “In Zeiten von NSA, Urheberrechtsklagen und Datenspeicherfragen kommt das Internet eher als Produkt des Bösen daher. Basel kehrt nun aber die fröhlichen Inhalte nach außen, und zeigt, wie positiv das Netz auch sein kann”, schrieb das ART-Magazin, und Dirk von Gehlen hat mich dazu für das SZ-Blog Phänomeme interviewt: “Die Netzkultur ist die neue Popkultur. Sie hat eine eigene Sprache (ROFL, <3), eine eigene Ästhetik (z.B. Seapunk), und ihre eigenen Stars (Grumpy Cat, Technoviking)." Und darum ging es: Internet-Meme sind die Popkultur des Internets: Bilder, Videos, Texte, Links, Tondateien und Webseiten, die sich viral und rasend schnell online verbreiten. Die Masse tanzt zu „Harlem Shake“ und „Gangnam Style“ und lacht über den „Techno Viking“ und „Lolcats“. Die Grenzen zwischen Hoch- und Populärkultur verschmelzen im Netz – aber was sind die Folgen? Führt die memetische Kreativität im Netz zu einer kollektiven Intelligenz? Kann auch Kunst viral werden? Oder ist ein Mem vielleicht sogar Konzeptkunst? Wie verändern diese Netz-Phänomene unser Verständnis von Kunst? Und woher kommen bloß all die Katzen? Die Ausstellung „Und alle so yeah“, kuratiert von Alain Bieber, präsentiert die vulgäre Avantgarde, ist Spektakel und Kritik, zeigt Netzkunst und Trashkunst, lädt zur Partizipation ein und wird selbst zum Kunstwerk.

Internet-Meme (QR Codes) & Meme Generator: Mit dem Internet ist die Produktion und Verbreitung von Bildern unvorstellbar rasant angestiegen. Nicht nur zeitgenössische Künstler, sondern auch Amateure nutzen das Internet und digitale Tools, um Bildmaterial zu produzieren, zu manipulieren, und zu teilen – und erzeugen dadurch Internet-Meme. Vom animierten „Dancing Baby“, über die Keyboard spielende Katze bis hin zum doppelten Regenbogen sind deshalb auch populäre Internet-Meme aus der Amateurkultur in der Ausstellung vertreten, die sich auf die jeweiligen anderen Werke beziehen – auf dem Smartphone/Tablet abrufbar über den angebrachten QR-Code. Und natürlich hat auch jeder Ausstellungsbesucher die Möglichkeit mit dem Meme Generator sein eigenes Internet-Mem zu gestalten und direkt ins Netz zu laden.

Literatur zum Thema „Kunst & Meme“:
- Domenico Quaranta: „Internet Semiotics“, 2012
- Brad Troemel: „The Accidental Audience“, 2013
- Michele Knobel & Colin Lankshear: „Online Memes, Affinities and Cultural Production“, 2007
- Kate Miltner: „SRSLY Phenomenal: An Investigation into the appeal of Lolcats“, 2011
- Helene Dams: „I think you got cats on your internet“, 2008

10 Gründe, um am 24. August nach Basel zu gehen und die Ausstellung “Und alle so yeah! – Die vulgäre Avantgarde” zu erleben:

“Und alle so yeah! – Die vulgäre Avantgarde”
Haus für elektronische Künste, Basel
Samstag, 24. August 2013, 16 Uhr bis 0 Uhr

1. Du kannst dir deine eigene Pizza malen – mit “Paint Your Pizza“! Einer Arbeit von Jonas Lund – ein Pizzabäcker vor Ort realisiert deine Kreation!

2. TRICKS aka as “die beste Musikshow der Welt” macht Halt in Basel – und präsentiert eine finale Folge zum Mitmachen und als Livestream. Tracky Birthday, Hasi International und als “Very Special Guests” Cindy Sizer geben noch einmal alles und mehr!

3. Mathieu Tremblin hat inzwischen zahlreiche “Ink Geysir” realisiert und ist bereit für die ultimative Mentos-Diet-Coke-Performance – mit zehn Flaschen & in Farbe!

4. Es gibt die Serien “Self Portrait with Tail”, “Ongoing Collaboration with My Cat to Create an Image that Hopefully Becomes an Internet Meme” und “Tan Line Gradient Study” von Alex Von Bergen als kostenlose Postkarten zum Mitnehmen!

5. Wir feiern das Revival von David Horvitzs Projekt “241543903″ aka Head in the Freezer – und laden natürlich alle ein sich abzukühlen!

6. Es gibt weitere, großartige Arbeiten von Evan Roth, Kent Rogowski, Helene Dams und Matthias Fritsch!

7. Zu jeder künstlerischen Arbeit gibt es ein Internet-Mem dazu. Kostenlos, ohne zu fragen, als QR-Code, voll crazy!

8. Klar, der Eintritt ist kostenlos!

9. Die Ausstellung findet im Rahmen der Oslo Night 2013 statt, d.h. es gibt im ganzen Viertel noch weitere Ausstellungen, Workshops, Performances, Konzerte, DJ Acts und Party!

10. Die Ausstellung läuft nur an einem Tag. Da darf man nicht fehlen, das wird so wie das “The Köln Concert” oder so… Epic!